Les éditions du 19 Crac

Le 19, Crac propose pour chacune de ses expositions une édition spécifique qui permet de la documenter, d’accompagner les publics dans sa découverte, mais également d’archiver les projets. Les Cahiers du 19, dont la mise en page a été élaborée par nos graphistes Léa Audouze et Margot Duvivier, sont à la fois exigeants, exhaustifs et pédagogiques dans leur contenu éditorial. En fonction des projets artistiques, des auteur·ices invité.es (chercheur·ses, commissaires, critiques, etc.) y partagent également leur point de vue et savoirs à propos des artistes et des œuvres.
Les Cahiers sont distribués au 19, Crac, mais sont également téléchargeables depuis notre site sur chacune des pages dédiées aux expositions.

Sur cette page, vous découvrirez d’autres formats d’éditions réalisés par le 19, Crac :

• catalogues d’exposition (depuis 2010) édités par le 19 ou co-édités avec d’autres institutions partenaires
• éditions limitées d’œuvres-multiples : livrets, protocoles, cartes postales, tabliers, t-shirts, tote bags, etc… œuvres produites pour une exposition ou une résidence et permettant de prolonger l’expérience.
• et quelques incontournables goodies imprimés avec la complicité des artistes.

Bread and Salt [Pain et Sel], décembre 2023 - janvier 2024

Amanny Ahmad

L’artiste américano-palestinienne Amanny Ahmad est cheffe cuisinière, travailleuse de la terre et herboriste. Dans sa pratique fondée sur la recherche, elle étudie la nourriture en tant que langage, les traditions culinaires indigènes, l’utilisation des plantes, les histoires de résistance et la manière dont ces éléments nous enseignent la création, la survie et la préservation du monde.
L’artiste a rédigé pour l’exposition Cum Panis au 19, Crac un texte manifeste, Pain et Sel, qui traite de l’histoire du blé au Levant et des pratiques agricoles et alimentaires qui en découlent en Palestine contemporaine (la zone géographique étant le foyer historique et universel de cette céréale). Le texte décrit plus précisément les pratiques ancestrales de la terre et des semences, la pratique du pain comme un outil de résistance et l’usage parfois délétère de la nourriture comme une arme à l’encontre des populations en temps de guerre.

Dans le cadre de l’exposition Cum Panis – le pain et ses écologies, 2024

Le pain comme…, 2024

Valeria Mata

Valeria Mata est une chercheuse, écrivaine et anthropologue mexicaine. Son travail se concentre sur les intersections entre les pratiques artistiques et l’anthropologie.
El pan como [Le pain comme] fait partie d’une recherche qu’elle a développée pour explorer la matérialité et le symbolisme du pain comme outil amplificateur de notre capacité à agir sur les autres et le monde. Au fil des expériences, cette recherche a été transformée en une installation collaborative qui rassemble les différentes significations données au pain dans le cadre de la vie quotidienne, par différentes personnes proches de l’artiste. Pour l’exposition Cum Panis au 19, Crac, elle a proposé aux publics de s’engager dans cette réflexion partagée et de la transmettre à son tour en activant des cartes postales mises à disposition.

Dans le cadre de l’exposition Cum Panis – le pain et ses écologies, 2024.

La banane et les huîtres

Asia Komarova, The Outsiders

En mars 2023, Txell Blanco et Asia Komarova, membres du collectif The Outsiders, ont rencontré des habitant·es de Montbéliard lors d’une marche-atelier organisée pour leur permettre de découvrir la ville. Lors de cette exploration urbaine les artistes ont découvert, entre autre, le parc de la Banane et les jardins familiaux qui ont inspiré Asia Komarova pour ce collage.

Dans le cadre de l’exposition La ville en jeux, 2023.

Tabliers Mooswief

The Outsiders

Ce tablier a été créé en hommage aux paysages et traditions de la ville de Maastricht (Pays-Bas) et de sa campagne environnante. Il s’inspire de la figure de Mooswief, littéralement «  femme légume ». Patronne de la ville de Maastricht, elle représente les travailleuses des champs qui, au siècle dernier, cultivaient des légumes pour nourrir les habitant.e.s. Leurs légumes étaient vendus chaque semaine au marché de la ville.
Cette œuvre a été sérigraphiée à partir d’une image de kaléidoscope qui mélange zones résidentielles et zones rurales afin de produire un paysage imaginaire.

Manipuler avec précaution, lavage à la main à 15 degrés maximum.
Travelling Farm Museum of Forgotten Skills
www.tfmdepot.nl

Dans le cadre de l’exposition La ville en jeux, 2023.

Amplifier la vie

Suzanne Husky

Série de 100 tee-shirts brodés.

Produit par La Ressourcerie 90 à Belfort dans le cadre de l’exposition La Parabole du Bièvre, 2023.

épuisés

Amplifier la vie #2

Suzanne Husky

Série de 50 tote bags.

Sérigraphiés par l’atelier PRI TOCO à Mulhouse, dans le cadre de l’exposition La Parabole du Bièvre, 2023.

épuisés

Se souvenir du présent, esprits de l'assemblage

Ce livre, comme l’exposition éponyme, est né de la rencontre entre l’essayiste Arnaud Zohou, par ailleurs généraliste du vodoun au Bénin, et Anne Giffon-Selle, historienne de l’art et directrice du centre d’art contemporain le 19, autour du procédé de l’assemblage qui opère tant dans la fabrication d’objets rituels que dans les œuvres d’un certain nombre d’artistes. Cet ouvrage rassemble un dialogue entre Arnaud Zohou et Anne Giffon-Selle, commissaires de l’exposition ; un article sur l’importance de l’assemblage dans la culture Fon du Bénin de l’historienne de l’art Suzanne Preston-Blier ; une présentation des objets vodoun de la collection Gabin Djimassé et une notice pour chaque artiste de l’exposition.

25 ans du 19

Étienne Bossut, Marielle Paul, Damien Cadio, Lisa Sartorio, Patrick Bernier & Olive Martin, Thierry Liegeois, Nelly Monnier.

A l’occasion de ses 25 ans, le 19 Crac édite en séries limitées des cahiers et des tote bags dont le motif imprimé en sérigraphie a été conçu par 7 artistes ayant exposé entre 1997 et 2019 : Étienne Bossut, Marielle Paul, Damien Cadio, Lisa Sartorio, Patrick Bernier & Olive Martin, Thierry Liegeois, Nelly Monnier.

Sérigraphie : Atelier PRI TOCO Mulhouse.
Cahier 5€ - Tote Bag 7€

épuisés

Gymnastique oculaire

Marc Buchy

Action performative, protocole.

Gymnastique oculaire est un protocole pour une action-performative réalisée par l’artiste Marc Buchy invitant à réaliser une série d’exercices ayant pour but d’améliorer la vue.
Grâce à ces exercices, les mouvements des yeux sont transformés en une chorégraphie infime et intime, presque invisible, permettant au public d’entraîner son regard avant de visiter l’exposition mais également par la suite quand il le désire.

Ce protocole a été édité sur des cartes postales dans le cadre des Expériences à vivre de l’été 2020. Il est disponible à l’entrée du centre d’art.

Marc Buchy est né en 1988 à Metz en France, il vit et travaille à Bruxelles. Il est diplômé d’un Master d’Art à Sint-Lukas Brussels et a réalisé un Post-Master à l’IHEAP à New-York. Son travail utilise divers médiums et voies de transmission qui privilégient le contact, le vécu de situations, les temporalités longues et des expériences hors du champ artistique ou en marge de celui-ci. Il a participé à de nombreuses expositions de groupe en Belgique (BABEL – ISELP (2019), Encountered Error – Société (2019), Pourquoi faire; pour quoi faire - Eté78 (2019) Private Choices - La Centrale (2017)…) et à l’international (Cette question qui…- CAN (Suisse, 2019), Conditionnel Présent - Frac Grand-Large (France, 2019), 26.01.2018 until 05.05.2017 - Catherine Bastide Projects (France, 2018) …) ainsi qu’à diverses résidences (Lugar à Dudas (Colombie), Fondazione Antonio Ratti (Italie)…). L’année 2019 s’est conclu par Tenir à l’œil sa première exposition muséale personnelle sur invitation du BPS22 - Charleroi (Belgique).

Anita Molinero

Anita Molinero

Co-édition du 19, Crac de Montbéliard, le Musée des beaux-arts de La-Chaux-de-Fonds, l’École municipale des beaux-arts / galerie Édouard Manet, Gennevilliers. Premier catalogue d’envergure sur le travail de l’artiste, la monographie d’Anita Molinero souhaite rendre compte de l’ambivalence de cette œuvre, à la fois héritière d’une histoire académique de la sculpture mais également poreuse à des effets venus de la science-fiction, du cinéma gore voire du fait divers. Cette monographie d’Anita Molinero regroupe au sein d’un ouvrage de 296 pages un panorama rétrospectif de son travail, s’étendant des années 1980 à nos jours. À travers une séquence de 200 pages de reproductions (vues d’expositions, vues d’atelier, détails, lieux alternatifs…), ce projet éditorial se joue de la chronologie pour mieux explorer et donner à lire ces sculptures. Des textes de Valérie Mavridorakis, Anne Dressen et Vinciane Despret constituent l’ensemble textuel auquel vient s’ajouter une contribution visuelle réalisée conjointement par Anita Molinero et le célèbre dessinateur Winschluss. Un long entretien mené avec Paul Bernard, qui coordonne l’ouvrage, permet de revenir sur les projets de l’artiste dans l’espace public, réalisés ou non.

Entre impasses, lignes de désir et chemins sauvages

Amilcar Packer

Posters et livret d’entretiens édités à l’occasion de Onsemble, une proposition d’Amilcar Packer en résidence dans le quartier de Champvallon en partenariat avec le Centre social La Lizaine à Bethoncourt et Le 19, Crac à Montbéliard - en parallèle de l’exposition (Con)Vivências avec la commissaire d’exposition invitée Adeline Lépine.
Onsemble s’est composé d’une série d’activités, ateliers pour enfants et adultes liés aux programmes de la Lizaine, visite guidée et deux repas entre mai et juillet 2019.

La nuit craque sous nos doigts

Sarah Ritter

La nuit craque sous nos doigts reprend plusieurs années de photographie de Sarah Ritter. Cette première monographie de la photographe est accompagnée d’une pièce de théâtre inédite de Christophe Fiat composée à partir des photographies du livre. Sarah Ritter ne travaille pas par anticipation, mais par « occasions », arpentage de terrains divers, sans savoir précisément à l’avance ce qu’elle cherche. Ces occasions lui permettent d’accumuler un certain nombre d’images qui, peu-à-peu, trouvent leur place dans son œuvre et s’articulent ensemble. Elle cherche un point de bascule entre le visible, le montré dans l’image, et ce qu’on ne voit pas. Au cœur de cette intention aveugle, le montage des images entre elles devient comme un chœur, équivocité affirmée.

En lieux

Thierry Géhin

Le 19 a soutenu financièrement cette monographie. Elle présente les installations et interventions réalisées par l’artiste Thierry Géhin depuis 2000. Fondées sur le principe que tout lieu contient potentiellement d’autres lieux, en suspens, en attente d’être révélés, celles-ci mettent souvent en jeu une structure d’habitat, ou la fonction et la nature d’un espace à investir, voire le vécu de ses usagers, toujours à partir de données précises. L’ouvrage rassemble une trentaine de projets, pour la plupart in situ, témoignant d’une nouvelle expérimentation et d’une perception aiguisée des lieux, dont la transformation peut être provisoire ou pérenne. Trois auteurs apportent ici leur éclairage, trois regards différents et complémentaires portés sur cet univers dans des textes inédits : Célia Charvet, Yves Ravey et Nicolas Surlapierre.

Hôpital Traversée

Marc Cellier, Alexandre Roccuzzo

Trois fois rien

Philippe Cyrounik, Eric Suchère

Pierre Tual

Pierre Tual, Philippe Cyroulnik

Geographies

Carlos Kusnir, Jean-Pierre Bertrand, Frédéric Valabrègue, Philippe Cyroulnik

Figure[s] out

Fabienne Ballandras

Retour sur l'abîme - L'art à l'épreuve du génocide

Helene Cixous, Jean-Christophe Bailly, Pierre Wat, Alexandre Roccuzzo, Philippe Cyroulnik, Nicolas Surlapierre

Retour sur l’abîme évoque une des tragédies fondamentales de 20 ème siècle, véritable balafre dans notre histoire contemporaine.

Pierre-Yves Freund

Pierre Yves Freund, Caroline Sagot Duvauroux, Philippe Cyroulnik

Ovale

Karl Möllers

En chantier

Driss Aroussi

Zone de production Naissance d'une automobile

Dominique Dehais, Emmanuel Hermange, Philippe Cyroulnik

Ce livre est le fruit d’un travail de près de quatre années incluant une résidence, une exposition, un temps de réflexion puis de rédaction. Il rend compte de ces « va-et-vient » entre le social et l’esthétique, entre l’ordinaire de la production, les blessures qu’elle produit sur les êtres, les résistances qu’elle suscite. Dominique Dehais fait apparaître les formes que cela peut prendre et l’imaginaire que cela peut engendrer. Il y fait le récit de son expérience. Il s’interroge sur la production de cette œuvre singulière qui, par un procès de déconstruction, montre une somme de gestes configurant une véritable « anamnèse » de la production de cet objet particulier qu’est une automobile. Il questionne ce qu’il en est de son exposition et de l’intégration en elle de cette part invisible de l’objet : ses producteurs. Son propos est accompagné d’entretiens avec des travailleurs de PSA Montbéliard et d’une importante contribution du critique d’art Emmanuel Hermange, résultant de nombreux échanges avec l’artiste. Les articulations que l’artiste a su établir entre le champ de la production et celui de l’art, sa prise en charge de la question de l’humain, de de sa place dans la production et des incidences fortes que celle-ci fait peser sur les travailleurs de la chaîne n’est pas la moindre des singularités de ce travail fortement impliqué dans la réalité sociale. C’est cette spécificité qui a été déterminante dans l’association entre Le 19, Crac et la Nouvelle Vie Ouvrière pour soutenir et mener ce projet éditorial à son terme.

L'imagination est un pays où il pleut

François Bouillon, Camille Saint-Jacques

Jean-Marc Thommen, à main levée

Jean-Marc Thommen

A promise of change

Alain Coulange

Cette publication est édité par le 19, Centre régional d’art contemporain de Montbéliard, à l’occasion de l’exposition à l’école d’art Gérard Jacot de Belfort du 28 septembre au 16 novembre 2013 avec le concours de la Caisse d’Epargne de Bourgogne Franche-comté.

Lisa Sartorio

Lisa Sartorio, Philippe Cyroulnik

Lisa SARTORIO vient de la sculpture et de la performance. Influencés par sa formation de plasticienne, ses travaux photographiques questionnent l’espace entre : deux lieux, deux êtres, deux mots, deux arts, deux temps. Somme d’espaces du milieu ou d’interstices, ces images chevauchent les genres, entre photographie et cinéma, photographie et dessin, photographie et objet. Attachée à la narration, Lisa Sartorio cherche par ces extensions du champ photographique à dépasser l’instant pour raconter des moments.

Nicolas Pilard

Luc Jeand'heur, Philippe Cyroulnik, Nicolas Pilard

Espaces de destins Espèces de dessins – Un choix d’Al Martin

Al Martin, Philippe Cyroulnik

Distribution et diffusion : Pollen diffusion

Yves Robuschi

Yves Robuschi, Philippe Cyroulnik

Mathias Milhaud

Mathias Milhaud, Philippe Cyroulnik

Corinne Chotycki - Jonathan Pornin

Philippe Cyrounik, Jonathan Pornin, Corinne Chotycki

Gasiorowski - Peinture - Fiction

Eric Suchère

L’oeuvre de Gasiorowski est une des aventures picturales fondamentales de la seconde moitié du XXe siècle pour la peinture française et européenne. Des peintures des années 1960 où le noir et blanc absorbent les couleurs du réel en des scènes crépusculaires d’une ironie mélancolique, à cette entreprise de réduction puis de dissolution de la figure dans le blanc, s’est déployée une marche vers le silence. Cette marche passe par la désagrégation de l’héroïsme moderniste sous les coups de butoir du mauvais genre et de l’autodérision. Cette régression délibérée l’entraina vers une mise à nue du moi dans sa crudité extrême, puis par sa dislocation dans l’anagramme du nom. Le point ultime de cette déprise fut le repli sur son corps et ses sécrétions. Cette archaïsation du sujet-artiste va de pair avec le maintien d’un rapport avec les signes et figures fondateurs de l’art et de la modernité. À partir de ce noyau originel, où Gasiorowski se tint tel un « primitif », il opéra une traversée qui, de Lascaux à Manet, va labourer et ensemencer la Peinture. C’est à la complexité exceptionnelle de cet oeuvre, de ses linéaments et de ses racines, qu’Éric Suchère s’est attelé dans un texte à la mesure des résonnances multiples qu’elle offre. Philippe Cyroulnik

Frédéric Bouffandeau

Frédéric Bouffandeau, Cédric Loire

Depuis plusieurs années, la peinture de Frédéric Bouffandeau, abstraite et distanciée, dépouillée dans ses moyens mais souvent sensuelle dans ses effets, s’est exclusivement développée à partir d’une forme-matrice – sorte de corolle ou d’aréole irrégulière et festonnée. Les reprises et superpositions, les déplacements et rotations dont cette forme-matrice fait l’objet ont généré des structures linéaires et réticulées, all over, des stratifications de plans colorés, opaques ou translucides, des découpes aléatoires générant à leur tour de nouvelles configurations formelles (extrait de la préface de Cédric Loire).

Journées

Camille Saint-Jacques

Une « journée », le mot désigne la surface d’enduit frais qu’un fresquiste prépare pour sa journée de travail. Ses dimensions varient selon la saison, la difficulté du motif à peindre, la commodité de l’endroit, les courants d’air… Ce livre est un récit. Plus qu’un essai ou un journal d’atelier, il raconte finalement moins comment l’artiste peint que ce que l’expérience de la peinture fait au peintre. Un livre plein d’images sans reproductions, sur l’histoire millénaire, commune et singulière du couple romanesque que forment le peintre et la peinture. Qu’on le prenne comme une invitation à peindre, un enseignement, un roman…

Les unes et les autres

Jean Rault

Les rétrospectives des portraits de Jean Rault organisées par le 19, Centre régional d’art contemporain de Montbéliard et par le Musée de Louviers font ressortir la cohérence du travail de ce photographe majeur qui, tout en pratiquant des incursions dans d’autres champs comme celui du paysage, a fait du portrait l’objet privilégié de son propos. Son œuvre prit son envol sous les auspices de deux maitres du portrait, August Sander et Diane Arbus. Elle se situe en effet à la croisée de ce qui peut dans l’image du corps fonctionner comme indice et symptôme. Les portraits de Jean Rault révèlent une attention extrême à l’autre : À cette autre et cet autre incarnés et saisis dans ce qu’ils cristallisent de vie, de charge et de désir. Mais aussi de blessures, de stigmates et de violences qu’y inscrivent leur propre existence ainsi que le regard qui les dévisage. Qu’elle soit présentée en particulier au Musée de Louviers est symbolique. C’est là, au début de sa carrière, qu’il a trouvé, auprès du conservateur de l’époque, Anne-Marie Rothiot, une écoute particulièrement attentive à son travail. Venir ainsi au Musée de Louviers, sur les conseils éclairés de ce pionnier que fut Pierre Gaudibert, conservateur fondateur de l’ARC à Paris, pour présenter ses premiers travaux et recueillir des premiers conseils, a été pour lui un moment d’une grande importance, qui marque son parcours comme une sorte de balise mémorielle. Revenir aujourd’hui dans ce musée c’est d’une certaine façon pouvoir mesurer le chemin accompli. Cette monographie consacrée aux portraits de Jean Rault fait ressortir avec une force impressionnante son art de mettre le corps et les êtres à nu ; en mettant à jour leurs éclats multiples, mais aussi les ombres et les ambivalences qui les configurent. Et cela avec une acuité et une conscience qui puise sa lumière dans un dialogue subtil entre le corps et ce que la peinture a su en délivrer de plus dense. Comportant de très nombreuses reproductions, cet ouvarge bénéficie du concours avisé de trois auteurs. Dans un texte d’une grande densité l’historien et critique Pierre Wat apporte un éclairage essentiel sur les caractéristiques de cette œuvre majeure. Le philosophe Marcel Hénaff circonscrit la visée de son art de dépouiller le corps pour en mettre à jour l’humanité dans tous ses états. Enfin, la critique Catherine Pomparat, mariant le texte et l’image, dans un clin d’œil à Roland Barthes, met à jour ce qui se croise de l’orient et de l’occident dans les photographies de l’artiste depuis son inscription délibérée dans l’espace culturel japonais. Philippe Cyroulnik directeur du 19, Centre régional d’art contemporain de Montbéliard Michel Natier, directeur du Musée de Louviers

Variable

Gilgian Gelzer, Éric Suchère

Pendant presque trois ans, Éric Suchère et Gilgian Gelzer ont correspondu. Le premier envoyait un texte au deuxième qui renvoyait ce texte augmenté d’un dessin auquel le premier répondait par un autre texte qui était immanquablement rehaussé d’un dessin et renvoyé au premier… La publication suit l’ordre chronologique de ces envois mais un autre ordre est possible : celui indiqué par les nombres en haut des pages.